Icone di Scarto废弃的圣像

Dall’incontro tra Leone Solia e gli spazi di Palazzo Costantino e Di Napoli, si configura un dialogo tra ciò che fu e quel che resta. Icone di Scarto non si colloca semplicemente negli spazi del palazzo ma li abita, li percorre, li contamina.

In questo orizzonte si inscrive la visione di Roberto Bilotti Ruggi d’Aragona e Cesira Palmeri di Villalba, figure di rilievo nel panorama culturale italiano, che hanno promosso un dialogo tra memoria storica e ricerca contemporanea. Dalla direzione delle attività artistiche presso l’Aranciera / Museo Bilotti di Villa Borghese a Roma alla creazione del Museo Roberto Bilotti Ruggi d’Aragona a Rende, Bilotti ha collaborato con artisti di calibro internazionale come Jenny Saville, Damien Hirst, Jannis Kounellis e Michelangelo Pistoletto. È in questo contesto, e attraverso l’attivazione degli spazi storici di Palazzo Costantino e Di Napoli, che si colloca l’opera di Leone Solia, come naturale prosecuzione di un percorso curatoriale coerente e di lunga durata.

Protagonista è l’”icona fatiscente” primeva, che sorge da un movimento spontaneo, inconscio e impulsivo, cui l’artista non intende opporsi. Non si tratta di una mera rappresentazione pittorica, né di un esercizio formale, è bensì un tentativo di restituire alle immagini una potenza evocativa che avvicina profondamente al sacro. Nel disporsi contiguo delle figure per i locali, queste sembrano trascendere la propria contingenza suggerendo di esservi sempre appartenute. Una schiera di strutture totemiche si dispone tra gli spazi della corte: appese tra colonne e balconi feriti dalla corrosione, presenze essenziali ora custodi, ora giudici, interrogano la postura dello spettatore.

I fasti barocchi riecheggianti nel marmo rosso della scala monumentale o nelle rifiniture color oro delle boiserie, si intrecciano alle superfici dipinte dall’artista: cartoni recuperati dalle strade, pannelli lignei, porte dismesse, non vengono esposti come semplici quadri ma si fanno attori che, incastonati nella materia precaria del palazzo, ne rigenerano i frammenti di architettura e arredo. Solia non cerca di restaurare lo splendore passato della struttura, ma di farne risuonare la condizione presente. Le sue icone fatiscenti si inseriscono tra le crepe, negli interstizi, come se l’ambiente stesso le avesse generate. In questo innesto tra gesto pittorico e superficie degradata, l’immagine sacra si spoglia della sua monumentalità, riconsegnandosi al quotidiano urbano in una nuova forma di solennità quasi primitiva.

I segni bianchi, essenziali, si inscrivono su supporti già segnati dal tempo, sui quali si stagliano pittogrammi rapidi che si svelano reliquie laiche, effigi spoglie ridotte all’ossatura: simulacri geometrici che sembrano provenire da un alfabeto perduto. Qui la pittura non rappresenta, ma rende possibile il manifestarsi di immagini trascurate in grado di convertire il rifiuto in un simbolo, un segno che interroga il suo stesso potere di apparire. Qui l’icona non emerge per restaurare, ma per resistere.

Principi del percorso espositivo sono materiali poveri che con gli stucchi intrecciano una danza di segrete corrispondenze, mettendo in scena una tensione tra rovina e rivelazione. L’artista affida allo scarto il ruolo custode di un nuovo sacro; il supporto, effimero, precario, escluso dal ciclo vitale della merce, amplifica la potenza evocativa del segno. Privilegiare l’uso di materiale di recupero risponde a un’urgenza: assumersi la responsabilità della rovina, per trasfigurarla. I graffi e le crepe non decorano, ma trattengono: tavoli, ripiani di compensato, vecchie porte contengono frammenti cangianti di memoria sedimentata negli strati di superficie.

Le immagini dipinte non coprono il legno ma ne esaltano le ferite, rendendolo tramite e testimone di una presenza magnificata. Il tratto dell’artista, come fosse un sigillo, è in grado di riattivare la potenza dormiente del reale. L’arte sacra si rovescia qui in una dimensione dove non è l’oro, ma lo squarcio a donare unicità: vecchi fogli di giornale ricostruiscono umili i pavimenti assenti, scambiando dal basso sguardi con l’opulenza degli affreschi illesi.

Nei lacerti trasfigurati da Leone Solia, l’aura sopravvive come residuo. Icone disadorne emergono imponenti, invitando il pubblico a una riflessione sulle possibilità d’espressione del sacro nel contemporaneo.

La transizione si annuncia con Exodology, tenutasi lo scorso giugno alla Fondazione Donà dalle Rose a Venezia, sotto la guida di Chiara Donà dalle Rose. “L’ultima mostra che ho fatto è stata una depurazione” racconta Solia; l’artista ha ricoperto di bianco alcuni dei collage storici esposti in precedenza, facendo emergere un nuovo nucleo simbolico, una trinità di pittogrammi, che ha riorientato significativamente la sua ricerca. In questa traiettoria, che intreccia il patrimonio architettonico con le urgenze del presente, Solia ha sviluppato le opere per Icone di Scarto durante la residenza estiva a Palermo presso la Fondazione Donà, consolidando un percorso coerente con la visione curatoriale e mecenatistica di Roberto Bilotti Ruggi d’Aragona e Cesira Palmeri di Villalba.

a cura di Alessandra Agogliaro e Novella Hoffer